Historia de la educación artística en Rusia. Educación creativa en Rusia: aprendizaje y perspectivas Artículos de arte y educación

Ministerio de Cultura de la Federación de Rusia

Institución Educativa del Estado Federal de Educación Superior

Instituto Estatal de Cultura de Tyumen

Facultad de Música, Teatro y Coreografía

Departamento de Deportes y Bailes de Variedades

Trabajo del curso

Introducción a la pedagogía de la educación artística

La educación artística como fenómeno de la cultura del arte

Alumno de 4o año de SET,

Asesor científico: Ph.D.

profesor asociado V.S. Lebedev

Tyumen, 2016

Introducción

Capítulo 1 Fundamentos metodológicos para el desarrollo de la educación artística

1 El concepto de educación artística

1.2 Metas y objetivos de la educación artística

4 Formas efectivas de implementar la educación artística

Capítulo 2 El papel de la formación de la cultura artística

1 El concepto de cultura artística

2 La estructura de la cultura artística

Conclusión

Bibliografía

Introducción

Relevancia. El trabajo examina uno de los problemas importantes de la historia de la educación: la formación y el desarrollo de la educación artística en Rusia, que se debe a tendencias contradictorias.

La era venidera es la era de una persona individual desarrollada, dirigida espiritualmente, creativa. Los procesos de desarrollo social están dirigidos al individuo, a la individualidad, que se encuentra en un proceso educativo holístico. Al mismo tiempo, la integridad en la educación está determinada por la alta calidad de la formación de una persona social, la divulgación de su esencia natural, su formación en toda la plenitud de las posibilidades que le brinda la naturaleza. El axioma de la nueva pedagogía afirma que en el proceso de educación, incluida la autoeducación, se forma una persona integral, armónica, en la comprensión de la integridad y la armonía, que constituye la unidad del hombre y el mundo y da lugar a "una espiritual actitud ante todos los fenómenos del mundo ".

El sistema de educación artística tiene dos componentes principales: la educación artística como parte de la educación general y la educación artística profesional. Las preguntas sobre el papel de la educación artística se reflejan en numerosas obras de filósofos, sociólogos, psicólogos, historiadores del arte, educadores y profesionales, trabajadores creativos, artistas de diferentes épocas históricas (Platon, T.G. Grushevitskaya, L. S. Vygotsky, G.M. Agibalova, LN Moon, NK Shabanova, AI Kravchenko y otros).

Numerosas generaciones de profesores, investigadores, artistas, observando las funciones socio-morales, educativas, educativas y estéticas del arte, volvieron a la idea de la necesidad de la iluminación artística de todo el pueblo. Una de las condiciones para la actividad humana exitosa es el desarrollo artístico del individuo, que, por un lado, afecta la cultura espiritual de una persona, por el otro, en la realización de sus inclinaciones creativas. El desarrollo personal artístico es una forma de pasar de generación en generación los valores humanos universales, cuya percepción y reproducción conduce al autodesarrollo moral y creativo. La educación artística tiene como objetivo la formación de una cultura de percepción del mundo circundante, el desarrollo de las habilidades de la personalidad para transformarse a sí mismo y a la realidad.

La educación y la cultura dependen directamente la una de la otra. Si la educación es la cultura del individuo, entonces la educación artística es la cultura artística del individuo. La educación artística es un proceso largo e incompleto. Siempre tiene un resultado intermedio, pero podemos decir con seguridad que el crecimiento de la cultura artística de un individuo determina el crecimiento del potencial cultural de la sociedad.

El objeto de la investigación es el proceso de educación artística y cultura artística.

Los principales objetivos de la educación artística en la etapa actual pueden considerarse un aumento del nivel general de importancia de la cultura y el arte en la educación, así como la preservación y desarrollo del sistema único de educación artística en el campo de la cultura y el arte que se ha desarrollado en Rusia.

La educación artística está diseñada para asegurar la implementación de tareas tales como:

formación y desarrollo de las necesidades y gustos estéticos de todos los grupos sociales y de edad de la población,

formación de personal creativo para actividades profesionales en el campo del arte y la cultura, así como personal docente para el sistema de educación artística;

realización del potencial moral del arte como medio para formar y desarrollar principios e ideales éticos del individuo y la sociedad;

introducción generalizada de la educación artística como factor de mejora intelectual, contribuyendo a la divulgación del potencial creativo de niños y jóvenes;

participación de todos los grupos de la población en una actividad creativa activa, que implique el desarrollo de habilidades artísticas y prácticas básicas; identificación de niños y jóvenes artísticamente dotados, provisión de condiciones apropiadas para su educación y desarrollo creativo.

La cultura artística juega un papel específico en la vida espiritual de una persona y sociedad. Es gracias a la educación artística y la cultura del arte que la percepción del mundo en su integridad, en la unidad indisoluble de la experiencia personal, la existencia de la cultura y la experiencia de toda la humanidad, es posible.

El trabajo consta de: introducción, capítulo 1, capítulo 2, conclusión, bibliografía.

Capítulo 1. Fundamentos metodológicos para el desarrollo de la educación artística

1Concepto de educación artística

La educación artística es el proceso de dominio y apropiación por parte de una persona de la cultura artística de su pueblo y de la humanidad, una de las formas más importantes de desarrollar y formar una personalidad integral, su espiritualidad, individualidad creativa de riqueza intelectual y emocional.

Un componente necesario de los aspectos estéticos, pedagógicos y psicológicos es la historia de la educación artística, que estudia la dinámica del desarrollo de este fenómeno en diferentes marcos temporales.

Para el estudio y comprensión del contexto histórico y cultural del desarrollo de la educación artística, las obras de N.N. Fomina, B.L. Yavorsky, S.V. Anchukova, R.V. Vardanyan, K.N. Machalov, N.K. Shabanova, A.V. Bakushinsky, A.P. Sadokhin y otros.

Las obras dedicadas a cuestiones generales de la cultura artística, su contenido, estructura, funciones sociales, niveles y tipos individuales son fundamentales para el estudio de los procesos de educación artística.

Las obras de L.S. Vygotsky, A.V. Bakushinsky, Azarov, L.N. Costoso.

El estado actual del sistema educativo en Rusia está relacionado con la investigación de N.Kh. Vesel, G.A. Gippius y otros autores.

El Concepto de educación artística en la Federación de Rusia (en lo sucesivo, el Concepto) se basa en el documento estatal fundamental: "La Doctrina Nacional de la Educación en la Federación de Rusia", que establece la prioridad de la educación en las políticas públicas, determina la estrategia. y orientaciones para el desarrollo del sistema educativo en Rusia hasta el 2025.

El concepto refleja la voluntad del estado en la implementación de los derechos y libertades constitucionales del hombre y ciudadano de Rusia en el campo de la cultura y el arte:

el derecho a participar en la vida cultural y utilizar las instituciones culturales, el acceso a los valores culturales;

libertad de formas literarias y artísticas de creatividad, enseñanza, protección de la propiedad intelectual;

el deber de cuidar la preservación del patrimonio histórico y cultural, de proteger los monumentos de la historia y la cultura.

El concepto define las direcciones estratégicas de la política estatal en esta área, indica las perspectivas para el desarrollo de la educación artística en la unidad de metas, objetivos y formas de lograrlos.

La implementación del Concepto se convertirá en la base para el renacimiento espiritual en el campo de la educación, la cultura y el arte, el desarrollo de la individualidad humana, incluidos los aspectos socioculturales y creativos del individuo.

La implementación práctica de esta supertarea debería basarse en el sistema históricamente establecido de educación artística en Rusia.

El sistema de educación artística incluye educación estética, educación artística general y educación artística profesional. La implementación de programas de educación artística se lleva a cabo en todo tipo y tipo de instituciones educativas: jardines de infancia, escuelas de educación general, instituciones de educación secundaria vocacional, educación vocacional superior y de posgrado, en todas las instituciones de educación adicional, incluidas las escuelas de arte para niños. Las instituciones de cultura y arte juegan un papel importante en la educación artística.

1.2 Metas y objetivos de la educación artística

Los objetivos de la educación artística en la etapa actual son:

asegurar la implementación de la Doctrina Nacional de Educación en la Federación de Rusia;

elevar el nivel general de importancia de la cultura y el arte en la educación general;

preservación y desarrollo del sistema único de instituciones de educación artística en el campo de la cultura y el arte que se ha desarrollado en Rusia.

En base a ellos, la educación artística está diseñada para asegurar la implementación de las siguientes tareas:

creación de una audiencia de oyentes y espectadores interesada y estéticamente desarrollada, activando la vida artística de la sociedad;

preservar y transmitir a las nuevas generaciones las tradiciones de la educación profesional nacional en el campo del arte;

familiarizar a los ciudadanos rusos con los valores de la cultura artística nacional y extranjera, los mejores ejemplos de arte popular, arte clásico y moderno;

identificación de niños y jóvenes dotados artísticamente, provisión de condiciones apropiadas para su educación y desarrollo creativo.

la formación de la competencia cultural e histórica, que implica el estudio de la teoría y la historia del arte de diferentes épocas y pueblos;

la formación de competencias artísticas y prácticas, lo que implica el dominio de los medios de expresión artística de varios tipos de artes;

la formación del gusto artístico y criterios evaluativos en el contexto de ideales espirituales, morales y estéticos.

La implementación del contenido de la educación artística ocurre en tres niveles:

la formación de una actitud hacia la cultura como condición más importante para el desarrollo libre y polivalente de la propia personalidad;

la formación de la necesidad de una comunicación artística completa con obras de varios tipos de arte sobre la base de su adecuada evaluación estética;

la formación de habilidades para la actividad artística independiente, la percepción de esta actividad como parte integral de la vida.

Para cada etapa de la educación artística, algunos de sus aspectos aparecen como dominantes, principales, mientras que otros, como adicionales y concomitantes, y las características de la edad juegan un papel importante aquí. En la edad preescolar, el papel principal lo desempeña la formación de una actitud estética hacia el mundo que lo rodea, que se inscribe en la actividad de su propia vida. En la escuela primaria, se forman las bases básicas, se adquiere el conocimiento primario de las habilidades artísticas y prácticas del niño. En la escuela secundaria básica, los adolescentes dominan el lenguaje de varios tipos de arte, lo que les brinda la oportunidad de comprender de forma independiente las obras de arte y también crea las condiciones previas para su propia actividad artística.

En las instituciones de educación secundaria especializada y superior, los jóvenes llegan a una autoidentificación sociocultural plena, al darse cuenta de su pertenencia a una determinada capa cultural con sus ideas y gustos artísticos y estéticos especiales, a partir de los cuales se forman ciertas prioridades. en su propia creatividad artística.

el inicio de la educación desde temprana edad, la continuidad y continuidad de los distintos niveles de la educación artística;

la confianza en las características nacionales y culturales en la preparación de planes de estudio en las materias de arte;

un enfoque integrado de la enseñanza de disciplinas artísticas basado en la interacción de varios tipos de artes;

distribución de programas educativos variables de diferentes niveles, adaptados a las habilidades y capacidades de cada alumno;

introducción de métodos de actividades artísticas y educativas orientados a la personalidad, enfoques individualizados para individuos especialmente dotados y otras categorías de estudiantes.

educación artística cultura estética

1.4 Formas efectivas de implementar la educación artística

La implementación de este Concepto presupone un conjunto de condiciones organizacionales y gerenciales, socio-psicológicas, materiales, técnicas y de personal, las principales de las cuales son:

la formación a nivel estatal de actitudes hacia la educación artística como un área particularmente significativa de la actividad humana, vital para el desarrollo de la sociedad rusa;

interacción de las autoridades culturales y educativas a nivel federal y regional sobre la base de planes y programas de coordinación interdepartamental;

preservación y desarrollo de la red existente de instituciones educativas de cultura y arte;

determinación del estatus legal y el marco regulatorio para las actividades de las instituciones educativas de cultura y arte en el sistema general de educación ruso;

actualización continua de software y soporte metodológico, contenido, formas y métodos de educación artística, teniendo en cuenta la mejor experiencia nacional y los logros mundiales;

participación activa de los medios de comunicación en actividades artísticas y educativas;

publicación de nuevos libros de texto, material didáctico, monografías sobre arte, historia y teoría de la cultura artística;

mejorar las actividades de las instituciones culturales y artísticas para el desarrollo de formas públicas masivas de educación artística y actividades artísticas y creativas para diversos grupos de la población;

Incrementar el papel de las tecnologías y los medios de información modernos en el proceso artístico y educativo.

Este Concepto se interpreta como un sistema integral en el que las metas y objetivos de la educación artística, las formas de su implementación son un complejo de disposiciones y principios interrelacionados.

Determinando las prioridades en el campo de la educación artística en Rusia, el Concepto es un documento para desarrollar una estrategia para la política cultural del estado ruso en esta área. Su implementación contribuirá al crecimiento integral del potencial creativo de todos los ciudadanos del país, a la prosperidad de la cultura nacional.

Capítulo 2. Papel en la formación de la cultura artística

1 Cultura del arte conceptual

La cultura artística es uno de los componentes del sistema de funcionamiento de la "segunda naturaleza" del hombre. Quizás este sea uno de los componentes humanitarios más estables de la cultura en general, en el que las ideas de cada tipo específico de cultura sobre los valores espirituales de una época cultural determinada se expresan en una forma simbólica de signo especial. Curiosamente, en la comprensión cotidiana y generalizada de lo que es la cultura, la idea predominante es que la cultura es algo que se asocia con la actividad estética en general. Es en el ámbito de la cultura artística donde se crea una visión holística de todas las características, dificultades y leyes de la existencia de la cultura, expresada en una forma especial de lenguajes de tipos específicos de artes.

Uno de los componentes más importantes de la cultura espiritual de la humanidad es la cultura artística, la cual, junto con la cultura cognitiva, religiosa, moral, económica, política, está llamada a formar el mundo interior de una persona, para contribuir al desarrollo de una sociedad. persona como creadora de valores culturales. La cultura artística también representa un cierto tipo de actividad humana, una forma específica de realizar el potencial creativo de una persona. La cultura artística puede entenderse tanto en esencia como funcionalmente en el contexto de toda la cultura espiritual.

La cultura artística es la cultura de la producción de arte, la cultura de su difusión, la propaganda, la cultura de su percepción, la comprensión, la cultura del disfrute del arte.

La cultura artística está dominando la esfera de los valores artísticos que están más directamente relacionados con los valores estéticos presentados en la cultura. El concepto de estética es un concepto más amplio que el artístico, ya que la estética, al estar incluida en el sistema de valores culturales, no necesariamente tiene una naturaleza artificial.

La actividad estética se basa en la idea de la belleza como categoría estética universal central. Además, presenta categorías estéticas sublimes, cómicas, trágicas y otras. La actividad estética se realiza en esferas inusualmente diversas de la actividad humana:

Actividades practicas

Actividades artísticas y prácticas (carnavales, festivos, etc.)

actividad creativa.

La cultura del arte es una formación sistémica compleja, en cuya existencia se pueden distinguir dos aspectos más importantes:

En primer lugar, esto es lo que se asocia con el aspecto organizativo del funcionamiento de la cultura artística. En cualquier tipo de cultura, quizás histórica, existen instituciones sociales especiales que son responsables de asegurar las condiciones para el funcionamiento de la cultura artística, para la creación, difusión y percepción de los valores estéticos. Este es, en primer lugar, el sistema de instituciones educativas, formación en la que permite unir tradiciones artísticas, lo que asegura una cierta continuidad en relación a los valores estéticos; Instituciones editoriales, organizaciones que realicen actividades de conciertos y exposiciones, etc.

La invención de la cinematografía, la radio, la televisión y más tarde el sistema "Internet" hicieron posible hablar de una verdadera comunicación de masas.

Es gracias a estos inventos que ha surgido la posibilidad casi ilimitada de exigir cualquier información cultural y familiarizarse con los valores artísticos y los logros de la cultura humana. Por supuesto, es necesario recordar los problemas que aparecieron simultáneamente con la formación del organismo de la cultura de masas. Sin embargo, me gustaría señalar los importantes aspectos positivos del funcionamiento de la cultura de masas. Por ejemplo, esta es la posibilidad de formar ideas humanistas a través de la apelación de la cultura de masas a los valores humanos universales y, en consecuencia, la posibilidad del diálogo intracultural e intercultural.

En segundo lugar, esta es la parte de la cultura artística que está directamente relacionada con la actividad creativa y sus resultados. Se trata de artes con su lenguaje especial inherente a cada especie por separado, el proceso creativo de su creación. Es gracias a la cultura artística que es posible la percepción del mundo en su integridad, en la unidad indisoluble de la experiencia personal, la existencia de la cultura y la experiencia de toda la humanidad.

2 La estructura de la cultura artística

Hasta ahora, existen muchos enfoques para definir la esencia, estructura y función de la cultura. Esto se explica, en primer lugar, por la complejidad de la propia composición de la cultura, la heterogeneidad de los fenómenos culturales, que da lugar a diferentes enfoques para su estudio. Al mismo tiempo, se está desarrollando un concepto integrador, basado en la aplicación de un enfoque sistemático al análisis de la cultura.

Su esencia radica en que la esencia de la cultura se revela como resultado de su consideración en un sistema integral del ser, una de cuyas formas es la cultura. La forma original de ser es la naturaleza, y en una determinada etapa del desarrollo de la naturaleza, nace una nueva forma de existencia diferente de la natural: la sociedad humana. En la sociedad, el ser pasa de una forma de existencia natural, natural y espontánea a un tipo diferente de funcionamiento y desarrollo, que se manifiesta no por imperativos biológicos de comportamiento transmitidos hereditariamente de generación en generación, sino por los principios de actividad desarrollados por las personas durante su vida. Por tanto, la tercera forma de ser es el hombre mismo, sintetizando leyes naturales y sociales en su existencia y comportamiento, el hombre como unidad dialéctica encarnada de naturaleza y sociedad. Pero al vincular, de esta manera, la naturaleza y la sociedad, el hombre se convierte en un eslabón central en la cadena de formas básicas del ser.

La cultura aparece ante nosotros como un proceso de desarrollo histórico y basado en actividades, que abarca:

a) la cualidad de la persona misma como sujeto de actividad es la cualidad de lo sobrenatural, es decir los que, apoyándose en las posibilidades que le da la naturaleza, se forman en el curso de la formación de la humanidad y se recrean una y otra vez en la biografía de cada individuo (según la ley, la "ontogenia" repite la "filogenia";

b) formas de actividad humana que no le son innatas, ni a la especie ni al individuo, sino inventadas por él, mejoradas y transmitidas de generación en generación gracias a la formación, la educación y la crianza; en lenguaje filosófico, esta actividad se denomina "objetivación de las fuerzas esenciales del hombre";

c) una variedad de objetos - materiales, espirituales, artísticos - en los que los procesos de actividad se objetivan, formando, por así decirlo, una "segunda naturaleza", creada a partir del material de la "primera", la naturaleza genuina, con el fin de para satisfacer necesidades sobrenaturales, específicamente humanas, y servir como transmisor de la experiencia acumulada por la humanidad de generación en generación; esta objetividad de la cultura resulta ser el otro ser del hombre, pues se separa de él y adquiere otras formas de existencia distintas de las humanas: formas de herramientas de trabajo, tratados científicos, conceptos ideológicos, obras de arte;

d) nuevamente una persona, cuyo segundo papel en la cultura se expresa en el hecho de que, gracias a la des-objetivación, enriquece, desarrolla, toma posesión de la cultura y se convierte así en su creación;

e) la fuerza que conecta a una persona con una persona en la cultura es la comunicación de las personas, y luego su comunicación con los fenómenos naturales, las cosas, las obras de arte.

La cultura tiene tres modalidades:

humano, en el que aparece como el potencial cultural de una persona (tanto la humanidad como la personalidad), actuando como creador de la cultura y su creación;

actividad-procedimental, en la que la cultura actúa como una forma de actividad humana - en la actividad de des-objetivación y en la actividad de comunicación de las personas que participan en ambos procesos;

sujeto, en el que la cultura abraza la diversidad de creaciones materiales, espirituales y artísticas que forman segunda naturaleza - hecho por el hombre el mundo objetos artificiales: mundo de las cosas , mundo de ideas y mundo de imagenes .

En esta tridimensionalidad, la cultura vive, funciona y se desarrolla realmente como un sistema integral.

Los cambios estructurales en la historia de la cultura se expresan, en primer lugar, en el hecho de que la proporción de sus capas principales - materiales, espirituales y artísticos - cambia (pero al mismo tiempo se conservan las funciones principales de cada una de ellas). El estudio de la historia de la cultura artística es de interés no solo para una comprensión más profunda de la historia de todas las artes, sino también como fuente principal para el estudio de la historia de la cultura, cuyo macrocosmos se refleja en el microcosmos del arte. imágenes. El estudio teórico e histórico de la cultura artística ayuda a comprender el lugar que ocupa el arte en la cultura en su conjunto.

Conclusión

Este trabajo condujo a las siguientes conclusiones:

La tarea más importante de la educación artística es el desarrollo del individuo a través de la formación de su complejo mundo interior. Hay una recepción de conocimiento científico sobre el mundo objetivo que lo rodea y el desarrollo de gustos estéticos, percepción creativa de este mundo objetivo.

La educación artística extendida, que combina en una unidad sincrética la riqueza de la síntesis y la interacción de las artes y las posibilidades de la pedagogía, crea un complejo educativo y de desarrollo holístico óptimo capaz de integrar el potencial espiritual y las tradiciones culturales del arte, creando un entorno artístico y estético para el formación de una personalidad creativa activa.

La cultura artística y la educación artística son los principales medios de educación estética. El estudio mostró que el interés cognitivo en el arte y la creatividad en Rusia es bastante grande, y la presencia de interés es la primera de las condiciones para una educación exitosa.

La educación artística y el desarrollo espiritual es un proceso complejo y multifacético, y la cultura artística juega un papel importante en él.

La cultura del arte no solo desarrolla el nivel de conocimiento, sino que también forma el mundo mental del individuo, también ayuda a incluir valores estéticos subjetivos en los valores emergentes socialmente significativos, y esta es la tarea principal del aprendizaje centrado en el estudiante.

Todo lo creado por profesionales y aficionados está incluido en el concepto de cultura artística. Y lo creado por maestros en su oficio, profesionales, y digno de ser preservado durante siglos como de mayor valor para la sociedad, constituye arte y creatividad.

Con base en lo anterior, cabe señalar:

“La cultura es un componente esencial de una educación integral que asegure el pleno desarrollo de la persona. Por lo tanto, el derecho a la educación artística es un derecho humano universal, el derecho de todos los estudiantes, incluidos aquellos que a menudo no tienen la oportunidad de obtener una educación: inmigrantes, representantes de minorías culturales y personas con discapacidad ”.

Bibliografía

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Machalov K.N. "Rusia como principal guardián de la educación de las habilidades artísticas", editorial "Science", Moscú, 2005

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EDUCATIVO

Arte en el proceso educativo sociocultural moderno. Funciones del arte y su implementación en la educación artística.

1. El arte es una forma de creatividad, una forma de autorrealización espiritual de una persona a través de medios sensoriales y expresivos (sonido, plástico corporal, dibujo, color, luz, material natural, etc.). Surge como resultado de la creatividad de un sujeto específico, una obra de arte adquiere un carácter transpersonal. Las propiedades del contenido y la forma de una obra de arte, así como la forma de su percepción, ya dan testimonio no solo de la originalidad psíquica del creador, sino que también caracterizan las formas colectivas de experiencia, la dirección del pensamiento inherente a la cultura de su época. La peculiaridad de la interpretación de las obras de arte es que el significado inherente a ellas resulta intraducible al lenguaje de los conceptos, inefable hasta el final de Gmail.

por cualquier otro medio. Esta es la confirmación de la idea del valor intrínseco del arte. La paradoja es que solo si el arte es capaz de satisfacer una necesidad artística, cuando actúa no como un medio, sino como un fin. Solo al revelar su naturaleza original original, única, que no es reemplazada por ninguna otra actividad moral, religiosa o científica, el arte actúa como una justificación para sí mismo, afirmando la necesidad de su lugar en la vida humana. Solo adquiriendo un objetivo en sí mismo, el arte resulta ser capaz de desempeñar un papel cultural-creativo profundo: compensar las imperfecciones de la existencia humana. El arte se vuelve verdaderamente indispensable cuando, al parecer, se centra en sí mismo tanto como sea posible. En otras palabras, sólo a través de la personificación de los principios de autosuficiencia de la creatividad artística es el arte capaz de realizarse como una actividad única que es significativa más allá de sus fronteras.

El arte es un medio de desarrollo creativo y corrección de la personalidad. Por su naturaleza, el arte se opone a la desorganización y al caos, de ahí su principal tendencia: ayudar a una persona a armonizarse a sí misma y al mundo, además, armonizar lo natural y lo social en una persona. El arte tiene como objetivo revelar las posibilidades creativas de una persona, ofrece una nueva experiencia de comprensión del mundo, esforzándose por provocar, despertar la conciencia cotidiana. A través del arte, una persona expande su propia experiencia y se une a la experiencia de toda la humanidad. En el marco de la experiencia social, el arte permite que una persona se encuentre a sí misma como un individuo excepcional, pasando por autoevaluaciones, autoexamen espiritual y moral. El arte como imagen única y especial de la autorrealización de una persona actúa como una forma de formación de la personalidad. El arte eleva significativamente el nivel de autoconciencia de una persona, describe su visión del mundo y la elección moral, lo que contribuye al desarrollo espiritual, creativo y moral del individuo. El arte proporciona a nuestra conciencia una imagen artística de forma libre, no violenta.

Enseña la verdad y la bondad a través de la belleza y la belleza, a través de la verdad y la bondad.

El objetivo del arte es una profunda revelación y reflexión artística del mundo interior de una persona, como resultado de lo cual se lleva a cabo su mejora moral y estética.

El arte es una forma específica de conciencia social y actividad humana, que es un reflejo de la realidad en las imágenes artísticas, una de las formas más importantes de dominio estético del mundo. El arte es un reflejo indirecto de la realidad utilizando un lenguaje específico. El mundo entero es un tema de arte. La vida social y la naturaleza, cualquier evento y fenómeno, las experiencias subjetivas más complejas de una persona constituyen el contenido real de las obras de arte. El arte es un reflejo de la realidad, un reflejo, que reproduce más o menos objetiva y plenamente la esencia, el contenido, las cualidades y las propiedades de la propia realidad.

Funciones del arte:

- Comunicativo (el arte como comunicación). La comunicatividad del arte es la base de su consideración moderna como sistema de signos. El arte tiene sus propias convenciones. Muchos tipos de arte (música, pintura, danza) no requieren traducción a otros idiomas para su comprensión. El arte acerca a las personas, les permite conocerse mejor (intercambio cultural entre países).

- Estético(el arte como formación de un espíritu creativo y orientaciones de valores). El arte forma el gusto artístico, las habilidades y las necesidades de una persona, despierta su creatividad.

- Cognitivo y educativo(el arte como conocimiento e iluminación) Las posibilidades cognitivas del arte son enormes, no pueden ser reemplazadas por otras esferas de la vida espiritual humana. Uno puede aprender más sobre la vida de una sociedad de las novelas históricas que de los escritos de todos los historiadores, economistas y extras juntos. La fórmula del agua es H2O, pero la riqueza sensual específica y cientos de propiedades del agua quedan fuera del alcance de la generalización científica, pero pueden expresarse perfectamente en una obra de arte. El papel del arte es especialmente importante en el conocimiento del mundo espiritual del hombre. Penetra en las profundidades de la psicología de la personalidad, revela la interacción más compleja de pensamientos, sentimientos, voluntad, revela las fuentes y los motivos de las acciones y los hechos de las personas. El lenguaje del arte es más claro, más metafórico, flexible, alegórico, paradójico, emocional y estéticamente más rico que el lenguaje natural, hablado, por tanto, las posibilidades informativas del lenguaje artístico son más amplias y cualitativamente superiores. Las obras musicales y artísticas, como cualquier fenómeno cultural, pueden percibirse como documentos de la época. Pueden ser cognitivas en varios ángulos: histórico-fáctico, filosófico-cosmovisión, ético-emocional, etc.

- Transformador social(el arte como actividad). La función transformadora social del arte se manifiesta en el hecho de que, teniendo un impacto ideológico y estético en las personas, las incluye en una actividad dirigida y orientada holísticamente para transformar la sociedad. El arte es la creación de la realidad artística y la transformación del mundo real de acuerdo con los ideales del artista. El arte transforma la realidad:

A través del impacto ideológico y estético en las personas. El tipo de conciencia artística de la época, los ideales del arte y el tipo de personalidad son interdependientes. El arte griego antiguo moldeó el carácter del griego y su actitud hacia el mundo, el arte renacentista emancipó a una persona de los dogmas de la Edad Media.

Mediante la inclusión de una persona en actividades orientadas a valores. El arte despierta la sensibilidad a las violaciones de la armonía social, estimula la actividad social del individuo, lo orienta a alinear el mundo con el ideal. Así es como los islandeses esclavizados crearon sagas en las que vivían y actuaban héroes valientes y amantes de la libertad. En las sagas, la gente se dio cuenta espiritualmente de sus pensamientos de libertad e independencia. Los sueños del pueblo de liberarse del poder del yugo tártaro-mongol se reflejan en las epopeyas rusas.

A través de la transformación en el proceso de creación artística con la ayuda de la imaginación de impresiones de la realidad (el autor procesa material de vida, construyendo una nueva realidad: el mundo artístico).

- Personalmente transformador- la capacidad del arte para influir y cambiar cualitativamente la estructura psicológica y caracterológica de la personalidad.

- Compensatorio(el arte como consuelo). Al percibir una obra de arte, las personas descargan la tensión interna y la emoción que genera la vida real y, al menos parcialmente, compensan la monotonía de la vida cotidiana. La función compensatoria tiene tres aspectos principales:

Distractor (hedonista, lúdico y entretenido);

Consolador;

Contribuir a la armonía espiritual de una persona (en realidad compensatoria).

La vida de una persona moderna está llena de situaciones de conflicto, tensión, sobrecarga, esperanzas incumplidas, dolor. El arte es capaz de consolar a una persona, llevarla al mundo de los sueños. Con su armonía, da equilibrio a la persona, ayudándole a veces a permanecer al borde del abismo, le permite seguir viviendo.

- Educativo(el arte como catarsis). El arte forma una personalidad integral. El impacto del arte no tiene nada que ver con la predicación didáctica, se manifiesta de forma subconsciente. La teoría de la catarsis de Aristóteles es que al mostrar héroes que han pasado por pruebas difíciles, el arte hace que las personas se identifiquen con ellos y esto purifica el mundo interior de espectadores y lectores. Una persona se enriquece con la experiencia de otras personas y desarrolla sus propias actitudes de valor más rápido y mejor.

- Hedonista(el arte como placer). El placer estético tiene un carácter espiritual especial, e incluso los antiguos griegos lo distinguían de los placeres carnales. La creatividad artística da a las personas la alegría de comprender la belleza y la verdad artística. Asimismo, por derecho propio del arte, se pueden distinguir funciones: sugerente, informativo, analizador, anticipador.

- Psicoterapéutico. Adquiere un significado especial cuando una sociedad o una persona específica atraviesa una crisis dolorosa. Porque el arte es capaz de sumergir a una persona en un estado en el que experimentará la catarsis. Aristóteles habló de catarsis, llamando con esta palabra la experiencia del público en el teatro antiguo. Parecían derramar lágrimas visibles o invisibles, sufrimiento visible o invisible, empatizando con los héroes de las representaciones antiguas. Una de las tareas de la arteterapia es devolver la patología a la normalidad. Por ejemplo, transformar un complejo de inferioridad o un complejo de superioridad en un sentimiento social humanista (todos los días, al menos mentalmente, hacer algo agradable para el mayor número de personas). L. Tolstoy vio una de las tareas más importantes del arte en ayudar a las personas a amar la vida.

- Función canónica y heurística Es considerado por los musicólogos como un par dialéctico de contrarios, lo que nos permite considerar un fenómeno musical desde el punto de vista de la relación entre tradición e innovación.

Representantes extranjeros (O. Decroli) y domésticos (L.S. Vygotsky) de la pedagogía y la psicología señalaron las posibilidades del arte para corregir los procesos mentales en los niños. El arte es un medio importante de educación, que influye en la moralidad del niño, así como en la formación de su pensamiento, imaginación, emociones y sentimientos. El proceso de percepción del arte por parte de los niños es una actividad mental compleja que combina momentos cognitivos y emocionales. Las actividades artísticas contribuyen al desarrollo sensorial de los niños, la capacidad de distinguir colores, formas, sonidos y proporciona una comprensión del lenguaje de varios tipos de arte. El impacto positivo del arte en los niños con problemas de desarrollo es especialmente valioso. Incluso L. S. Vygotsky, en su investigación, reveló el papel especial de la actividad artística en el desarrollo no solo de las funciones mentales, sino también en la activación de manifestaciones creativas en varios tipos de arte en niños con problemas de desarrollo. El arte desarrolla la personalidad, amplía los horizontes generales y artísticos, se da cuenta de los intereses cognitivos de los niños. El arte permite al niño experimentar el mundo en toda su riqueza y diversidad, y mediante actividades artísticas aprender a transformarlo. En esto se encierran las posibilidades correccionales del arte, ya que es, por un lado, una fuente de nuevas experiencias positivas del niño, da lugar a necesidades creativas, formas de satisfacerlas en una forma de arte u otra, y por otro lado, un medio para realizar las necesidades sociales y pedagógicas. función del arte.

Hablando de las posibilidades pedagógicas del arte, no se puede dejar de notar otro aspecto importante: el efecto psicoterapéutico del arte en el niño. Influyendo en la esfera emocional, el arte realiza al mismo tiempo funciones comunicativas, reguladoras y catarsísticas. La participación conjunta del niño, sus compañeros y profesores en el proceso de creación de una obra de arte amplía su experiencia social, enseña una adecuada interacción y comunicación en actividades conjuntas y asegura la corrección de las violaciones de la esfera comunicativa. El efecto psicocorreccional de la influencia del arte en un niño también se expresa en el efecto de "limpieza" de las experiencias negativas acumuladas y entrar en el camino de nuevas relaciones con el mundo exterior. Revelando el mecanismo psicológico de la catarsis en su obra "Psicología del Arte", L.S. Vygotsky señaló: “El arte siempre lleva algo que supera los sentimientos ordinarios. El dolor y la excitación, cuando son causados ​​por el arte, conllevan algo más que el dolor y la excitación ordinarios. El procesamiento de los sentimientos en el arte consiste en convertirlos en su contrario, es decir. emoción positiva que el arte lleva en sí mismo ”. El arte presenta al niño oportunidades prácticamente ilimitadas de superación y autorrealización, tanto en el proceso de creatividad como en sus productos. La psicología y la pedagogía especiales modernas se centran en gran medida en el uso de varios tipos de arte en el trabajo correccional como un medio importante para educar la personalidad armoniosa de un niño y su desarrollo cultural. La tarea principal de las clases del ciclo de arte en la escuela es despertar el interés de los alumnos por el arte, enseñarles a sentir, comprender, amar y apreciar el arte, disfrutarlo; percibir emocionalmente positivamente, sintiendo la necesidad de una comunicación sistemática con ella.

El sistema de educación general de la educación artística se basaba en la enseñanza del dibujo, ya que la escritura de jeroglíficos requería ciertas habilidades. La formación en dibujo se estructuró en dos direcciones: el desarrollo de la técnica del libre movimiento de la mano y la firmeza en la ejecución de relieves y escritura de papiros. El método principal es copiar y memorizar. El sistema educativo tenía estrictos requisitos de disciplina. Aunque solo los estratos privilegiados de la sociedad egipcia podían recibir educación, se practicaba el castigo corporal (estuvieron 3 meses en cepo). La formación profesional fue, por un lado, de carácter genérico, cuando los secretos del dominio se transmitieron de padres a hijos, por otro lado, se organizaron escuelas profesionales. La principal escuela profesional de bellas artes fue la Escuela de Arquitectos y Escultores de Memphis Court. Durante la época de Ramsés II y su sucesor, había un instituto para artistas en Egipto, donde los estudiantes podían elegir a sus maestros. La metodología de enseñanza en una institución educativa de este tipo se dividió en tablas, que sirvieron como instrucciones metodológicas con una implementación gradual del trabajo. En particular, esta técnica se utilizó como construcción de una figura humana en una cuadrícula. No se trataba solo de un intento de ampliar la imagen, sino de un prototipo de cuadrícula modular, que permitía ampliar la imagen, para construir una imagen frontal y lateral, ya que la intersección de las líneas de la cuadrícula se producía en determinadas uniones nodales. El dibujo se construyó desde cualquier lugar a lo largo de esta cuadrícula. La imagen se reveló no a partir de la definición de la forma general, sino de la preparación mecánica de los cálculos de proporciones. En la enseñanza de la escultura, el método estándar y el método de trabajo en curso se utilizaron como ayuda visual para comprender el trabajo etapa por etapa. Así, existe un enfoque sistemático para la enseñanza de las artes visuales, se establece una fundamentación teórica de la práctica de las 11 bellas artes, se establecen por primera vez las leyes de representar y enseñar a los futuros artistas. No se ha establecido si existía una teoría del proceso de aprendizaje (didáctica). Sin embargo, hubo escritos pedagógicos (de Tauf). La educación no se basó en el estudio de la realidad circundante, sino en la memorización de los cánones establecidos. Las bellas artes en Egipto ya eran una disciplina de educación general. Conferencia No. 4 "El sistema de educación artística en la Antigua Grecia". El arte de la Antigua Grecia es la capa más significativa en la historia de las bellas artes mundiales. Las obras creadas durante este período sorprenden a los contemporáneos por su proporcionalidad, realismo, armonía con el medio ambiente. Por tanto, el interés por el sistema de educación artística es natural, lo que, a su vez, constituye una etapa significativa en la historia del desarrollo de toda la educación artística en su conjunto. Los cambios fundamentales en el sistema educativo de la Antigua Grecia están asociados, en primer lugar, con un cambio en la cosmovisión y, como resultado, un cambio en la religión y la conciencia social dentro de la misma formación económica esclavista. El panteón de los dioses griegos, a diferencia de los zoomorfos egipcios (más tarde con cuerpos humanos), era antropomórfico. El más allá se presentó por analogía con la realidad. Y la preparación para la transición a otro mundo no fue tan abrumadora. En general, la actitud de los antiguos griegos era de naturaleza humanista, dirigida a identificar las leyes de la realidad, y la belleza del cuerpo humano se consideraba el estándar de armonía, es decir, la proporcionalidad de las partes en relación con el todo. Este ideal estético se expresa en las palabras de Pericles 12 (el antiguo estratega griego que dirigió Atenas durante su apogeo): "Amamos la belleza, combinada con la sencillez, y la sabiduría sin afeminamiento". Sin embargo, todo lo nuevo creado por los griegos tiene una base. Y esta base es el arte egipcio. Los artistas griegos desarrollaron un sistema de cánones y métodos de escultura en Egipto. Por ejemplo, los hermanos Telekles y Theodore de Samos, residentes en diferentes ciudades, asumieron el cumplimiento de la orden de los Samianos para la estatua de Apolo el Pitio. Independientemente el uno del otro, cada uno hizo su propia mitad de la estatua con tanta habilidad que cuando se unieron, ambas mitades se juntaron. Este exitoso curso de trabajo fue facilitado por la adherencia al método egipcio de trabajar en el trabajo escultórico. Más tarde, los griegos abordaron el problema de la educación y la crianza de una manera nueva. El realismo es la base del arte griego. Los artistas argumentaron que reina una ley estricta en el mundo, y la esencia de la belleza radica en la armonía de las partes y el todo, en correctas proporciones matemáticas. En el 432 a. C. Polycletus of Sikion creó un ensayo sobre las leyes proporcionales de la construcción del cuerpo humano y por primera vez en la historia resolvió el problema del contrapost. La imagen del cuerpo humano se ha vuelto natural y vital. "Dorifor" (portador de la lanza) actúa como modelo para la ejecución de la escultura según los nuevos cánones. Los dibujos de esta escultura fueron realizados no solo por futuros profesionales, sino también por niños de una escuela secundaria. Otro gran escultor de los clásicos tardíos, Praxitel, creó su propio canon, en el que las proporciones del cuerpo se alargaban algo en relación con el canon policlético. Conocemos los métodos de enseñanza de este período por los trabajos teóricos posteriores de los historiadores romanos Plinio, Pausanias y Vetruvius, así como por los artefactos supervivientes. Además, no quedan tantos artefactos del arte de caballete griego: la escultura ha llegado hasta nosotros, principalmente en 13 copias romanas, que no transmiten toda la profundidad del arte griego antiguo; los artefactos de la pintura también son pocos en número. La historia de los primeros desarrollos metodológicos en las artes visuales de la Antigua Grecia está asociada con los nombres de Poligno y Apolodoro de Atenas. Polygnot, después de haber formado un círculo de artistas en Atenas, donde se le otorgaron los derechos de ciudadanía, lanzó su actividad pedagógica. Animó a los artistas a luchar por la realidad. Sin embargo, dominó solo un patrón lineal, sin la transferencia de luz y sombra. Pero aquí, también, la línea funcionó para transferir espacio. Pliny escribe: "Polygnot ... quien pintó mujeres con ropa translúcida, se cubrió la cabeza con gorras abigarradas y fue el primero en introducir muchas cosas nuevas en la pintura, tan pronto como comenzó a abrir la boca, mostrar los dientes y dar variedad en lugar del antiguo rostro inmóvil ". Aristóteles señaló que Polygnot transmitía perfectamente la forma del cuerpo humano, dibujaba modelos de tamaño natural. Sin embargo, su pintura parecía un dibujo monocromático. La verdadera revolución en el campo del dibujo y los métodos de enseñanza se atribuye a Apolodoro de Atenas, a quien Plinio se refiere como "las luces del arte". El mérito de Apolodoro radica en el hecho de que primero introdujo el claroscuro y comenzó a simular el volumen de la forma en un dibujo. Fue venerado como un milagro. Se necesitaban otros métodos de enseñanza que consideraran las regularidades de la distribución de la luz y la sombra en relación con la fuente de luz. La pintura empezó a basarse en el juego de la calidez. Apolodoro no solo fue un artista talentoso, sino también un excelente maestro. Uno de sus alumnos fue Zevkis (420-380 aC). En uno de sus epigramas, Apolodoro lo llamó "el ladrón de mi arte". La técnica de Zevkis se basó en un estudio detenido de la naturaleza, una comprensión de las leyes de la belleza a través de la observación. Existe la leyenda de que Zevkis pintó a un niño cargando uvas. 14 pájaros acudieron a las uvas, por lo que se dibujó hábilmente. Y el maestro estaba molesto: "Si hubiera retratado al niño con la misma habilidad, entonces los pájaros no habrían venido, se habrían asustado". La rivalidad entre Zevkis y otro artista importante, Parrasius, es famosa. Plinio escribe: “Sobre Parrasius se informa que participó en una competencia con Zevkis. Zevkis trajo una imagen en la que las uvas estaban tan bien representadas que los pájaros se agolparon. Parrasius trajo una pancarta dibujada de manera tan creíble que Zevkis, orgulloso del veredicto de los pájaros, comenzó a exigir que se quitara la pancarta y se mostrara la imagen. Y luego se dio cuenta de su error y cedió la palma bajo la influencia de la noble vergüenza ". Parrasy también se mostró como un artista teórico, escribiendo un tratado de dibujo, en el que prestó especial atención a la línea y su trabajo para construir la ilusión del espacio. “Después de todo, el contorno debe consistir en su propia línea y romperse de tal manera que insinúe lo que está oculto. Rasgos característicos de su enseñanza: - claridad en la transferencia de contornos de objetos; -linealidad en la transferencia de la forma de los objetos; -trabajo activo de la naturaleza; -combinación de dibujo de alta tecnología con conocimiento de las leyes de construcción realista del cuerpo humano; - posesión de los medios de dibujo de corte; - esforzarse por transmitir el realismo de la imagen, alcanzando un fin en sí mismo. En el siglo IV a.C. NS. había varias escuelas famosas de dibujo: Sikion, Efeso, Tebano. La escuela tebana, fundadora de Arístides, concedió importancia a los efectos de la luz y la sombra, la transmisión de sensaciones, las ilusiones. La escuela de Éfeso, Efranor o Zevkis, se basó en la percepción sensorial de la naturaleza, su belleza externa. 15 La Escuela Sikion, fundadora de Eupompus, se basó en datos científicos de las ciencias naturales y se adhirió estrictamente a las leyes de representar la naturaleza real. Esta escuela requería la mayor precisión y severidad de dibujo. Influyó en el desarrollo posterior de las artes visuales. Eupomp (400-375 aC) fue un destacado maestro y pintor. Animó a sus alumnos a estudiar las leyes de la naturaleza sobre la base de datos científicos, principalmente matemáticas. Este es un método fundamentalmente nuevo: observación + análisis. El alumno de Eupompus - Panfil otorgó gran importancia al dibujo como asignatura educativa general, ya que al dibujar una persona no solo transmite la forma de un objeto, sino que también aprende su estructura. Panfil trabajó mucho, trabajó mucho en el campo del contacto del dibujo con la geometría, ya que creía que esta última desarrolla el pensamiento espacial. En la puerta de su escuela estaba escrito: "Aquí no se permite la gente que no sepa geometría". La duración del entrenamiento de Panfil fue de 12 años y costó un talento (26.196 kg de oro). Hacia el siglo IV a.C. NS. Los artistas griegos antiguos comenzaron a desarrollar una teoría de la perspectiva. Sin embargo, se parecía poco al creado por Fillipo Brunelleschi (con un punto de fuga). Lo más probable es que se trate de una percepción perceptiva de la realidad. Entonces, en la historia del arte de Europa occidental, aparecieron y aún existen dos direcciones: dibujar a partir de una mancha de color y a partir de un análisis constructivo de la forma. Los maestros de la antigua Grecia instaron a sus estudiantes a estudiar la naturaleza sobre una base científica, se dio prioridad al conocimiento y no a los impulsos de inspiración. Por tanto, la enseñanza del dibujo era de suma importancia. Los alumnos dibujaron principalmente en tablas de haya cubiertas con cera, metal o varilla de hueso. Las escuelas de arte de la Antigua Grecia son un estudio-estudio privado, que recuerda el principio de los talleres privados del Renacimiento. 16 Resultado: - nuevos métodos de enseñanza, basados ​​en el dibujo de la naturaleza; - la tarea del dibujante no es solo copiar objetos, sino también el conocimiento de los patrones de su construcción; - dibujar en una escuela de educación general como herramienta para comprender la realidad circundante; - desarrollo de cánones para la construcción del cuerpo humano de acuerdo con las leyes de la realidad visible del conocimiento científico; - el hombre es la corona de la belleza, en él todo es proporcionado y armonioso, "el hombre es la medida de todas las cosas" (Heráclides). Conferencia nº 5 "La educación artística en la antigua Roma" El patrimonio artístico es significativo por su valor para la cultura mundial. Pero tiene un carácter diferente al griego. Se trata de la cosmovisión de los romanos. Ellos, como los griegos y los etruscos, eran paganos, pero su religión, y por tanto su fantasía artística, era más prosaica que la griega, su percepción del mundo era más práctica y sobria. Los romanos crearon su propio teatro maravilloso, comedia conmovedora, literatura de memorias, desarrollaron un código de leyes (el derecho romano fue la base de toda la jurisprudencia europea), nuevas formas en la arquitectura (el descubrimiento del hormigón dio nuevas posibilidades constructivas para la construcción de edificios gigantes y techos abovedados) y bellas artes (relieve histórico, retrato escultórico realista, escultura estatuaria, interesantes ejemplos de pintura monumental). Después de la conquista de Grecia por Roma, comenzó un conocimiento más cercano del arte griego, que los romanos veneraban como modelo. "El vencedor ignorante fue conquistado por el arte del pueblo conquistado". 17 En el siglo II. antes de Cristo NS. El griego era común en la alta sociedad. Obras de arte griego llenaron los edificios públicos de Roma, edificios residenciales, villas de campo. Luego, además de los originales, aparecieron muchas copias de las famosas obras griegas de Myron y Phidias. Scopas, Praxiteles, Lysippos. Pero la inspiración poética del arte griego, la actitud misma hacia el artista como hacia el elegido de los dioses, que lo dotó de talento, nunca existió en Roma. De ahí el sistema de educación artística, que solo proporcionaba las habilidades de un artesano de clase alta, un kopeísta. De hecho, entre las copias mecánicas pulidas, la auténtica escultura escultórica griega aparece tan viva en su juego de planos que parece una ligera brisa en un día bochornoso. Roma no introdujo nada fundamentalmente nuevo en la metodología de enseñanza de las bellas artes. Aunque se consideraba de buena forma dedicarse a las bellas artes en la más alta sociedad romana. Pero esto no fue más que un tributo a la moda. Así, el pensamiento utilitarista de los romanos afectó el desarrollo de la educación artística en este país no de la mejor manera. Conferencia nº 6 "Métodos de trabajo en el arte medieval" El arte medieval es una etapa especial en el desarrollo artístico mundial. Una de sus principales características es una estrecha conexión con la religión, sus dogmas, de ahí el espiritualismo, el ascetismo. La religión y su institución social, la iglesia, fue una poderosa fuerza ideológica, el factor más importante en la formación de toda la cultura feudal. Además, la iglesia fue el principal cliente de arte. Finalmente, no debe olvidarse que el clero era la única clase educada entonces. Por tanto, el pensamiento religioso formó todo el arte medieval. Sin embargo, 18 esto no significa que las contradicciones reales de la vida no encontraran expresión en el arte medieval, que los artistas medievales no se esforzaran por buscar la armonía. La imaginería y el lenguaje del arte medieval son más complejos y expresivos que el arte de la antigüedad; transmite el mundo interior de una persona con mayor profundidad dramática. En él, el deseo de comprender las leyes generales del universo se expresa más vívidamente. El maestro medieval se esforzó por crear una imagen artística grandiosa del mundo en la arquitectura, la pintura y la escultura monumentales que adornaban los templos medievales. Pero en el propio sistema artístico, en el método artístico del arte medieval, se puso una limitación, que afecta, en primer lugar, en la convención extrema, en el simbolismo y alegorismo del lenguaje figurativo, cuyo sacrificio fue una transferencia veraz. de la belleza del cuerpo físico. Los logros del arte realista de la antigüedad fueron relegados al olvido. Ghiberti escribió: “Entonces, durante la época del emperador Constantino y el papa Silvestre, prevaleció la fe cristiana. La idolatría fue sometida a la mayor persecución, todas las estatuas y pinturas de la perfección misma fueron destrozadas y destruidas. Así, junto con las estatuas y pinturas, pergaminos y registros, dibujos y reglas, que daban instrucciones a un arte tan sublime y sutil, perecieron ”. Las bellas artes se construyeron sin depender de la ciencia, solo la atención y la mirada fiel del artista. La fisicalidad se conservó solo cuando se tomaron prestadas imágenes de arte antiguo (Orfeo es la imagen del joven Cristo pastor). Sin embargo, estos préstamos no duraron mucho. La imagen del Cristo joven fue reemplazada por el culto a la vejez con su propia estructura figurativa. La base del entrenamiento durante este período es la copia mecánica. Sin embargo, en el arte medieval existía un sistema que intentaba encontrar algunos patrones en la construcción de una imagen. Este es el sistema de Villard de Honnecourt. Su esencia radica en la construcción de cálculos matemáticos abstractos, la búsqueda de 19 patrones geométricos, el cabalismo de los números, y no en la búsqueda de patrones en la estructura de las formas de la naturaleza. El arte bizantino era más canónico que el arte de la Europa medieval. Y aquí practicamos trabajando con muestras. Un interesante trabajo sobre el método de las artes visuales de Bizancio ha sobrevivido hasta nuestros días. Esta es "Herminia, o Instrucciones en el arte de la pintura" 1701-1745, escrita por el monje Athos Dionisio de Fourna (Furnografiot). Contiene muchos datos sobre el oficio del pintor (cómo hacer una copia, carboncillo, pinceles, adhesivos, cartillas, instrucciones detalladas sobre cómo escribir caras, ropa) y mucho más. Por ejemplo, sobre cómo copiar: “... pegue su papel empapado en aceite en los cuatro bordes del original; hacer pintura negra con una pequeña cantidad de yema y trazar cuidadosamente el dibujo con ella y aplicar sombras; luego prepare el blanco y rellene los huecos y marque los lugares brillantes con la cal más fina. Entonces saldrá un contorno de la imagen, porque el papel es transparente y todas las características del original son visibles a través de él ". Otro ejemplo de copia: “Si en el reverso del original no hay un dibujo ni una mancha, entonces colóquelo en papel sin sellar, póngalo a contraluz de la ventana ... y, viendo todas las características, dibuje con cuidado en tu papel, y marca la luz con pintura roja ". Entonces, en la Edad Media: - el método principal de enseñanza - copiar según modelos, lo que contribuyó al desarrollo del trabajo artesanal; - el proceso de aprendizaje - trabajo independiente como parte de un arte de artesanos. 20

Las instituciones artísticas de educación superior en Moscú siempre han tenido una cuenta especial. Los cambios políticos y las convulsiones económicas en el país no hacen que la competencia en ellos sea menor: el amor por el arte supera cualquier pensamiento sobre el pan de cada día y la ganancia económica. Y esto a pesar de que solo unos pocos graduados logran establecerse profesionalmente, encontrar el éxito y, con ello, la prosperidad. Sin embargo, el hecho es que las vacantes en estas universidades suelen ser dos veces menores que las de quienes desean ocuparlas.

Talentos y fans

Como en el caso de las universidades teatrales, al ingresar a una institución de educación artística, el aspirante estará buscando la presencia de una cierta chispa, que generalmente se llama talento. De hecho, todo el mundo puede sostener un lápiz o un pincel en la mano, pero solo una persona entre cien o mil es capaz de crear algo único.

No es posible dar una definición absolutamente precisa del concepto de "talento": todo en el arte es demasiado subjetivo. Desafortunadamente, cualquier profesión creativa depende completamente de las opiniones de los espectadores y críticos. Es por eso que muchos expertos aconsejan: antes de cruzar el umbral de una universidad de arte, vale la pena considerar si puede pasar muchos años de su vida en la oscuridad, lamentando amargamente que su trabajo no haya causado una buena impresión en el público. Después de todo, todo el juego de colores, la claridad de las líneas, la coherencia del estilo en una obra de arte se crean con un solo propósito: sacudir el mundo y expresarse.

Las perspectivas profesionales de los futuros artistas, diseñadores y arquitectos son bastante ilusorias. El costo de su trabajo puede variar mucho: todo dependerá del hada de la suerte caprichosa y voluble. La eficiencia, la capacidad de encontrar un lenguaje común con el cliente de hoy no son cualidades profesionales menos importantes.

Preparándose para la admisión a una universidad de arte

La lista de universidades de arte en la capital no es muy grande, pero obtener una educación dentro de sus muros se considera prestigioso en todo el mundo. El alto nivel de enseñanza en ellos fue establecido por los padres fundadores de estas instituciones educativas. Estos incluyen el Instituto Estatal de Arte Académico de Moscú que lleva el nombre de V.I.Surikov, la Universidad de Arte e Industrial de Moscú que lleva el nombre de V.I. S. G. Stroganova, Academia Rusa de Pintura, Escultura y Arquitectura, Instituto Estatal de Cinematografía de toda Rusia que lleva el nombre de S. A. Gerasimov y el departamento de artes gráficas de la Universidad Pedagógica Estatal de Moscú. Es imperativo mencionar el Instituto Académico Estatal de Pintura, Escultura y Arquitectura de San Petersburgo. IE Repin: esta universidad, que tiene tradiciones centenarias, fue fundada a mediados del siglo XVIII bajo el patrocinio de la emperatriz Isabel Petrovna. Según la Carta vigente en ese momento, estudiaron allí durante 15 años. Hoy en día, el plazo oficial para obtener una educación se ha reducido, sin embargo, para convertirse en estudiante, un solicitante literalmente tendrá que pasar años preparándose para la admisión.

Cada una de estas universidades tiene su propia escuela de arte o cursos preparatorios. La educación y la formación en ellos lleva de varios meses a dos años. Sin embargo, cabe señalar que oficialmente nadie da garantías de admisión a sus egresados. Además, en los cursos preparatorios en el Instituto Surikov, los maestros advierten sin rodeos que no tendrán que esperar ninguna indulgencia para "los suyos": todos actúan sobre una base común. Las clases preparatorias, por regla general, se pagan, sin mencionar el hecho de que el solicitante debe proporcionarse materiales auxiliares: pinturas, pinceles, lápices, papeles, camillas, lienzos ... El precio puede ser diferente: por un tubo de pintura, por ejemplo, - de 10 hasta 1000 rublos Una camilla cuesta al menos 2000 rublos.

Además, al ingresar a una universidad de arte, es muy importante tener en cuenta una sutileza: al analizar las solicitudes, se da la mayor preferencia a aquellos solicitantes que se graduaron de escuelas de arte especializadas (por ejemplo, el V.A. Art Lyceum of the Russian Academy of Arts), o tener una educación vocacional secundaria en escuelas de arte (Escuela de Arte Académica Estatal de Moscú en memoria de 1905 o la Escuela de Arte de Moscú (Facultad) de Artes Aplicadas). Esto se hace porque este tipo de educación superior no tolera a personas al azar que de repente se encienden con el deseo de ser artistas, restauradores o arquitectos. La competencia entre postulantes es bastante dura, y se debe aceptar lo mejor de lo mejor, por lo que es necesario hacer planes de admisión con anticipación, teniendo en cuenta sus propias capacidades.

Exámenes de especialidad

Primero, debe decidir en qué dirección le gustaría aplicar sus impulsos creativos. La profesión de un artista tiene varias variedades, por ejemplo, pintor, restaurador, artista de teatro. Entre las especialidades que se pueden obtener en una escuela de arte, también se encuentran las de escultor, arquitecto, crítico de arte, profesor de pintura, cineasta de ficción, diseñador de cine de vestuario, cine de animación y artista de infografía. Y lo primero que se le pedirá al momento de la admisión es que proporcione una vista previa de las obras creativas de acuerdo con el camino elegido. Como regla general, estos son dibujos: un retrato y una figura de una persona, pintura, un retrato con manos, composiciones. Los que superen esta selección son admitidos a las pruebas de acceso. Los exámenes de la especialidad se realizan en talleres (con la participación de asistentes) durante varios días. Los temas especiales incluyen:

• dibujo (dos tareas): un retrato y una figura desnuda de pie (en papel con lápiz de grafito); el trabajo se emite directamente sobre el terreno o el solicitante utiliza el suyo propio, marcado con el sello del comité de selección;
• pintura: un retrato con las manos de un modelo sentado (sobre lienzo con pinturas al óleo o témpera, gouache, acuarelas - al ingresar a la facultad de gráfica); el solicitante debe traer un lienzo de hasta 70 cm en el lado grande;
• composicion: el trabajo sobre un tema determinado puede ser en cualquier tecnica.

Luego se revisan los exámenes y se otorgan las calificaciones. Si el número de puntos obtenidos es suficiente para aprobar el concurso, entonces te espera un ensayo sobre un tema determinado, historia (oralmente), historia de la cultura artística rusa y, en algunos casos, un idioma extranjero. Si, sin embargo, no fue posible inscribirse en el departamento de tiempo completo, los departamentos pagos están a su servicio, el costo promedio de estudiar en el que a veces alcanza los 4500-5000 dólares.

Direcciones de universidades

Instituto Estatal de Arte Académico de Moscú que lleva el nombre de V.I.Surikov: facultad de pintura, escultura, teoría de las bellas artes; Moscú, Tovarishchesky per., 30 (estaciones de metro "Taganskaya", "Marksistskaya");

Facultad de Gráfica y Arquitectura: Moscú, Lavrushinsky per., 15 (edificio frente a la entrada de la Galería Tretyakov, estaciones de metro "Novokuznetskaya", "Tretyakovskaya").

Universidad Industrial y de Arte de Moscú lleva el nombre de S. G. Stroganova: Moscú, autopista Volokolamskoe, 9 (estación de metro "Sokol").

Academia Rusa de Pintura, Escultura y Arquitectura: Moscú, st. Myasnitskaya, 21 (estación de metro "Chistye Prudy"); Kamergersky per., 2 (estación de metro "Okhotny Ryad").

Instituto Estatal de Cinematografía de toda Rusia. S. A. Gerasimova: Moscú, st. Wilhelm Pieck, 3 (estación de metro "Botanical Garden").

Instituto Académico Estatal de Pintura, Escultura y Arquitectura de San Petersburgo que lleva el nombre de I. E. Repin: San Petersburgo, Universitetskaya emb., 17 (estación de metro "Vasileostrovskaya").

Calificación de universidades de arquitectura y arte

El Ministerio de Educación y Ciencia de la Federación de Rusia ha aprobado la clasificación de las instituciones de educación superior en función de los resultados de sus actividades. La recogida de datos para determinar el ranking de universidades y especialidades se viene realizando desde mediados del curso 2004.

Al determinar la calificación, se tuvieron en cuenta muchos parámetros: la calidad del profesorado, el número de estudiantes de diferentes formas de educación, la presencia de estudiantes de otros países; el volumen de investigación científica, actividades editoriales, dotación de albergues, dispensarios, etc.

Un lugar	Nombre de la Universidad
1	Instituto de Arquitectura de Moscú (Academia Estatal)
2	Universidad Estatal de Arte e Industria de Moscú
3	Academia Estatal de Arquitectura y Arte de los Urales (Ekaterimburgo)
4	Academia Estatal de Artes e Industria de San Petersburgo
5	Academia Estatal de Arquitectura y Arte de Novosibirsk
6	Academia Estatal de Arquitectura y Arte de Rostov
7	Instituto Estatal de Arte de Krasnoyarsk

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Incluso se puede abrir una buena escuela de sumilleres por una cantidad de hasta 500 mil rublos, pero al principio no se puede contar con un negocio rentable. Todo está relacionado con el hecho de que los primeros meses de trabajo estarán dirigidos ...

Inversiones de 1.000.000 de rublos.

El costo de abrir un museo puede ser muy pequeño o muy significativo, se puede abrir un museo simple promedio (sin tener en cuenta la colección, cuyo costo, como se señaló, no se puede estimar en absoluto ...

Inversiones de 100.000 rublos.

Un negocio de aprendizaje puede ser rentable. Sin embargo, a diferencia de la situación de hace unos años, hoy la competencia en el segmento educativo ya es bastante fuerte. Por lo tanto, la esperanza de éxito es nueva ...

Salón psicológico "1000 ideas"

El salón psicológico "1000 Ideas" es un negocio que cambia la vida. Un formato único, 25 programas prefabricados, formación llave en mano. Inversiones 80.000 rublos.